CINE SILENTE

UN CATÁLOGO PERSONAL

1895

1897

▲ Secuencia pionera de «Paseo fantasma«.

1899

▲ Secuencia pionera de «Edición narrativa».

1903

▲ Cortometraje pionero de «cross-cutting«.

El Sr. Porter fue la primera persona en contar una historia completa con imágenes en movimiento. Eso fue en 1900 cuando hizo la película «La vida de un bombero estadounidense» para la gente de Edison.

Theatre Magazine, May 1913, pp. 156-8

1906

▲ Primer largometraje.

▲ Es de conocimiento común que George Méliès fue la primera persona en realizar una película de ficción. Pero no es así. Ese honor le corresponde a Alice Ida Antoinette Guy (1873 – 1968) con su «La Fée aux Choux» de 1896. Entre sus acciones pioneras se cuentan, además, el uso de un gramófono sincronizado, y la aplicación de efectos especiales y de técnicas tales como la cámara lenta. También filmó la primera película norteamericana con actores de color. La vida y hasta la misma existencia de esta gran pionera del cine fue invisibilizada por la historia, comenzando a ser recuperada recién en los últimos años del siglo XX.

▲ Max Linder fue el primer actor mencionado en los créditos (Le Petit Jeune Homme, 1909).

1907

▲ Film pornográfico más antiguo del que se tiene registro.

1909

▲ Lawrence Florence fue la primera actriz mencionada en los créditos (The Broken Oath, 1910).

1910

▲ [Asta Nielsen] comprendió inmediatamente que era posible demorarse en una escena importante […]. También entendió instintivamente que una película demandaba una forma más sutil de actuación que el teatro, y que la intensidad del sentimiento no debía medirse por los grandes gestos y las muecas violentas […]. El Abismo fue un éxito tanto [en Suecia] como en el extranjero. La película hizo de ella una estrella, la primera «film star» de Europa. Y más que eso: El Abismo introdujo un nuevo género cinematográfico; el melodrama erótico.

M. Engberg: «The Erotic Melodrama in Danish Silent Films 1910-1918», Film History, vol 5 (1), 63-67 (1993).

1911

▲ Primer largometraje italiano

L’Inferno tardó más de tres años en realizarse, con decorados basados en los famosos grabados de Gustave Doré, y abundancia de efectos especiales, violencia excesiva, desnudos, … y hasta una representación de Mahoma.

Fue un gran suceso internacional, con una recaudación de más de dos millones de dólares sólo en Estados Unidos.

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1913

▲ Alice Guy-Blanché, primera directora y productora.

▲ Primer largometraje de Benjamin Christensen.

1914

▲ Primer largometraje rodado en Hollywood.

1915

▲ Las miniseries ya existían mucho, muchísimo antes que Netflix. Sus dos primeros capítulos se estrenaron simultáneamente, y con una gran campaña publicitaria que logró imponerla en el mundo tremendamente competitivo de las miniseries. Su éxito fue enorme, a pesar de las restricciones impuestas por la guerra. Por su parte, gracias a su papel protagónico como la villana Irma Vep, la actriz Musidora se convirtió en una de las más grandes estrellas del cine francés… y en musa de los surrealistas. ​El décimo y último capítulo, con una duración que duplicaba la del primero, se estrenó el 30 de junio de 1916.

1916

1918

▲ En esta película la gran Mary Pickford interpreta a dos personajes: a la inválida y angelical Stella Maris, y a la huérfana y sufrida Unity Blake. La historia es de Frances Marion quien, junto a June Mathis y Anita Loos, figura entre los mejores guionistas del siglo XX. Fue la primera persona en ganar dos Oscars en la categoría de mejor historia, un galardón que a partir de 1957 se dividió en mejor guion original y mejor guion adaptado.

1919

1920

▲ Gustav Meyrink comenzó a escribir su novela «El Golem» en 1907, y la presentó en forma seriada en el periódico Die Weissen Blätter entre diciembre de 1913 y agosto de 1914. Finalmente, la publicó como libro en 1915. Fue un éxito instantáneo, especialmente en la edición de bolsillo destinada a los soldados de la Gran Guerra.

Contrario a una creencia muy arraigada, la película expresionista de Paul Wegener no está basada en este famoso libro, sino en una de las muchas versiones de la antigua leyenda judía que descubrió durante el rodaje de «El estudiante de Praga» en 1913, o sea antes de la aparición de la novela.

Paul Wegener filmó tres películas basadas en el mismo personaje: «El Golem» (1914), «El Golem y la bailarina» (1917) y «El Golem: Cómo vino al mundo» (1920), que es una precuela de la primera. Las versiones de 1914 y 1917 se han perdido. Así que la última, con el nombre resumido de «El Golem», siendo además la preferida de su director y la que alcanzó mayor éxito comercial, pasó a ser la única conocida y recordada por la historia del cine.

Junto con su contemporánea «El gabinete del Dr. Caligari», representa un hito del expresionismo alemán.

1921

▲ Murata fue uno de los pioneros de la modernización del cine japonés y quiso ir más allá de los dramas históricos que habían sido el elemento básico de la incipiente cultura cinematográfica de ese país. «Rojó no Reikon» entrelaza cuatro historias, incluida una sobre un hijo sin un centavo que regresa a casa y otra sobre dos presos que son recibidos con amabilidad por las personas que conocen. La intercalación entre períodos de tiempo se maneja con mayor complejidad que en «Intolerancia». Al final de la película, las historias se juntan cuando los dos convictos encuentran al hijo empobrecido, muerto en la nieve. El resultado es la primera gran película de Japón.

Marl Cousins: «The Story of Film» (Pavilion, 2013) p. 35.

▲ King llevó a su equipo de Nueva York a Staunton, Virginia, y filmó la mayor parte de la película a menos de ocho millas de donde había crecido. Aquí reescribió el guion, introduciendo episodios de su propia infancia, y luego regresó a Nueva York, donde se completaron los interiores y la postproducción en el estudio Biograph. Tol’able David surgió como una de las películas más finas y personales de King, un clásico cuya perfecta integración de acción y ubicación tuvo una gran influencia en el director soviético V. I. Pudovkin.

Richard Koszarski: «Hollywood on the Hudson» (Rutgers Press, 2008) p. 85.

▲ Muy pocas mujeres han ganado el Premio Nobel, y -lamentablemente- este año de 2021 no ha sido la excepción. Después de los premios Nobel de Física para Marie Skłodowska Curie en 1903, y de la Paz para Bertha von Suttner dos años después, fue el turno de la gran escritora Selma Lagerlöf en 1909. La fama de su libro para niños «El maravilloso viaje de Nils Holgersson» ha eclipsado injustamente a sus maravillosas novelas e historias cortas. Tres de ellas fueron llevadas al cine por Victor Sjöström. De la primera, «La Muchacha de la finca Turbagrande» (1917), se realizaron al menos otras seis versiones posteriores. La segunda, «Körkarlen» (1921), es una de las mejores películas del cine mudo sueco. En la tercera «La Torre de las mentiras» (1925), se luce Lon Chaney. Y no nos olvidemos de «La saga de Gösta Berling» (1924), dirigida por Mauritz Stiller, donde hace su debut una jovencísima Greta Garbo. Una de las adaptaciones más recientes de una novela de Selma Lagerlöf es «Jerusalem» (1995), interpretada por Max von Sydow y Olympia Dukakis.

«La carreta fantasma» es inclasificable. ¿Fantasía, terror, melodrama, alegoría moral, crítica social? Tal vez, todo eso, y mucho más. Los personajes de la Muerte en el «El séptimo sello» (1957) de Bergman y del padre enloquecido de «El resplandor» (1980) de Kubrick son herederos directos de esta gran película.

▲ Es casi increíble, pero este espectáculo de D. W. Griffith ambientado durante la Revolución Francesa no fue un éxito financiero. Es una maravillosa y costosa mezcla de melodrama y sentimentalismo, con
duelos, secuestros, la toma de la Bastilla y Lillian Gish siendo salvada de la guillotina. No es uno de los mejores trabajos de Griffith; en cierto modo, parece anticuado, incluso para una película de 1921 (No en su técnica, sino en su forma de pensar). Pero aquellos que la vieron de niños nunca olvidaron la secuencia en la que Lillian escucha la voz de su hermana ciega perdida hace mucho tiempo, interpretada por Dorothy Gish. Secuencias como ésta van más allá de lo desgarrador y llegan a un escenario de sublimidad teatral.

Pauline Kael: «5001 Nights at the Movies» (New York: Henry Holt and Company, 2011). p. 553

▲ Una de las primeras películas anti-bélicas de éxito mundial, lanzó la carrera de Rudolph Valentino y convirtió a su guionista, June Mathis, en una de las mujeres más poderosas e influyentes de Hollywood.

▲ Fue al ver «Der müde Tod» cuando comprendí sin la menor duda que yo quería hacer cine. No me interesaron las tres historias en sí, sino el episodio central, la llegada a un pueblo flamenco del hombre del sombrero negro -en seguida supe que se trataba de la Muerte-, y la escena del cementerio. Algo que había en aquella película me conmovió profundamente, iluminando mi vida.

Luis Buñuel: «Mon dernier soupir» (Editions Robert Laffont, 1982).

1922

▲ La mayoría de los críticos masculinos desaprobaron la película por motivos morales; hizo falta una mujer, Harriet Underhill, del New York Tribune, para apreciar su honestidad. […] Si los detractores de Stroheim hubieran estado menos furiosos, habrían visto que la película no era la acusación general que pensaban que era y que algunos (aunque no todos) de los insultos contra los estadounidenses debían tomarse con ironía. El propósito de Stroheim es claramente mostrar debajo de las pretensiones e hipocresías de la Europa moderna varias pruebas de la irracionalidad, la destructividad y la lujuria del hombre por metas financieras, sociales y sexuales. Que la sociedad no es lo que pretende ser puede ilustrarse no sólo por el hecho mismo de la Primera Guerra Mundial, sino también por la tenacidad y el entusiasmo con que los beligerantes habían intentado aniquilarse unos a otros. Este desastre se cierne sobre toda la película.

Arthur Lennig: «Stroheim» (Lexington: The University Press of Kentucky, 2000) p. 147

1923

1924

▲ «Sería absurdo intentar desentrañar la trama, porque uno mismo debe ir al Teatro Capital para disfrutar de Mr. Keaton. ‘The Navigator’ es, con mucho, la mejor película que ha hecho nunca, no solo la mejor que ha hecho, sino una comedia que lo pone a la altura de Charlie Chaplin».

Louella O. Parsons, “New Films Reviewed: Capitol Showing Buster Keaton Comedy,” New York American, October 14, 1924, 14.

▲ En base a una obra teatral del expresionista ruso Leonid Adreyev (1871 – 1919), el director sueco Victor Sjöström realizó esta, su segunda película en Hollywood. Con Lon Chaney, Norma Shearer y John Gilbert en los papeles protagónicos, fue la primera producción y el primer éxito de taquilla de la Metro-Goldwyn-Mayer, además de ser la primera película en cuyos créditos iniciales aparecía el león «Slats» que, a diferencia de sus sucesores, no rugía.

▲ Esta genial comedia de Harold Lloyd entró en dominio público en 2020, así que ahora está libremente disponible para quienes quieran disfrutarla. A diferencia de sus trabajos anteriores, esta primera producción independiente del gran comediante comienza centrándose en la relación entre los personajes, con pocos y muy medidos «gags». Pero en los últimos 20 minutos, la acción literalmente «explota», conduciéndonos sin pausa y sin respiro hasta una anticipación en tono de comedia del famoso final de «El Graduado».

1925

▲ Si esta excelente comedia les resulta conocida, se debe a que su libreto fue reutilizado en varias películas posteriores. Por ejemplo, por los Tres Chiflados en «Brideless Groom» (1947) y «Husbands Beware» (1956), por Pierre Étaix en «Le Soupirant» (1962), y más recientemente por Gary Sinyor y Steve Cohen en «The Bachelor» (1999), protagonizada por Chris O’Donnell y Renée Zellweger.

▲ Quizás más que cualquier otra película, Varieté de Dupont depende para su brillantez del período en que se hizo. Su ostentoso trabajo de cámara hubiera sido inconcebible sin los descubrimientos de Murnau, y su trama melodramática, desarrollada en imágenes tan teatrales como diamantes falsos, habría parecido excesiva unos años después con la llegada del sonido. Dupont presenta camerinos, bares, recintos feriales, caravanas y calles de Berlín por la noche con tanta vivacidad que puede permitirse imitar la teatralidad de su tema: un tour de force que alcanza su mayor fuerza en las secuencias circenses ambientadas en el Wintergarten de Berlín; un escenario tan vasto que, como en el rodaje de Leni Riefenstahl del Rally de Nuremberg, una audiencia de miles parece ser eclipsada. La cámara, como los acróbatas, se balancea en el aire. Muchos de los efectos de Dupont dependen de ilusiones ópticas o de cortes abruptos de planos generales a primeros planos, a menudo a enormes cabezas al estilo de Rouault. El circo y el music-hall, como él los muestra, no tienen un significado diferente del Circo Fortuna del Abismo; de hecho, Varieté tiene un lugar importante en la tradición que se extiende desde el Abismo hasta la Lola Montes de Ophuls.

Eric Rhode: «A History of the Cinema: From the Origins to 1970» (New York: Hill and Wang, 1976) páginas 184-185

1926

▲ Aves sin nido es la obra maestra de Mary Pickford. Tanto Charles Chaplin como Ernst Lubitsch -dos de sus contemporáneos más críticos y controvertidos- la calificaron como su mejor obra. Aunque la actriz ha realizado otras películas con éxito comercial y de crítica, Sparrows es su trabajo más exitoso y atemporal. Las soberbias interpretaciones, la escenografía gótica, la fotografía: todo se pone al servicio de una historia emocionante y llena de suspenso, apoyada por una actuación llena de patetismo, humor y encanto.

Jeffrey Vance e Tony Maietta, «Le Giornate del Cinema Muto», 2008, p. 13.

1927

█ El 6 de octubre de 1927 se estrenó «El cantante de Jazz» (The Jazz Singer), primer largometraje comercial con sonido sincronizado. Comienza la decadencia del cine silente.

▲ Outstanding Picture, 1st. Academy Award (1928).

▲ Best Unique and Artistic Picture, 1st. Academy Award (1928).

▲ Esta película fue un éxito comercial y de crítica, y ayudó a dar forma al género de cine de suspenso actual. Se advierten varios de los temas obsesivos de su autor, y el uso claustrofóbico de la iluminación y de los ángulos de cámara de Murnau y Lang, tan característicos de su producción posterior.

▲ El concepto de «It» (it-girl, it-boy) no es tan moderno como muchos creen. Su invención ocurrió en 1927, y se atribuye a la novelista y guionista británica Elinor Glyn (1864 – 1943), quien lo definió como «esa cualidad poseída por unos que atrae a todos los demás con su fuerza magnética. Con ‘It’ ganas a todos los hombres si eres mujer y a todas las mujeres si eres hombre.» Para filmar esta primera película «conceptual», Paramount realizó un arreglo con Glyn, que consistió en su reconocimiento en los créditos de «historia y adaptación», un pequeño papel secundario, y el pago de 50.000 dólares. !Nada mal para un concepto expresable en dos letras» La protagonista Clara Bow se convirtió, así, en la primera «it-person» de la historia…

▲ Luis Buñuel valoraba esta película inaugural del género de gangsters como la mejor de todos los tiempos, inclusive por encima de su propia «L’Age d’Or». Para Josef von Sternberg representó su primer gran éxito internacional, tres años antes de dirigir a Marlene Dietrich en «El Ángel Azul» (el primero de los siete filmes que realizarían juntos).

▲ Secuencia final precursora del «Cinerama«, originalmente llamado «Polyvision«.

1928

▲ A pesar de un final feliz algo artificial, «El hombre que ríe» es notable por su maquillaje grotesco y escenario perverso, así como por la medida actuación de Veidt. La película también inspiró a Bob Kane para crear el personaje del Guasón en su historieta «Batman».

Wheeler Winston Dixon: A History of Horror. (Rutgers University Press, 2010), página 21.

▲ Sin duda, se trata de uno de los grandes clásicos del Cine, y la gran culminación de una época, ya que fue la última película muda producida por MGM, la última película muda dirigida por Victor Sjostrom, y la última película muda protagonizada por Lilian Gish.

«Toda la película se rodó en el desierto de Mojave en condiciones de gran dureza y dificultad, y este fue probablemente el primer ‘western’ que trató de encontrar la verdad y la poesía dramática. Uno de sus golpes maestros, que parece mucho menos cohibido de lo que pueda representar cualquier descripción, es el momento en que Letty alucina de terror al ver el cuerpo parcialmente enterrado de su atacante».

Derek Malcolm: «Victor Sjostrom: The Wind» (The Guardian, 15 de julio de 1999)

▲ Como era habitual con (casi) todas las películas de von Stroheim, se produjo una disputa por la duración de «La marcha nupcial», y «Paramount Pictures obligó a von Stroheim a crear dos películas a partir del metraje, siendo la segunda La Luna de miel (The Honeymoon). […] La única copia restante de The Honeymoon, en posesión de Henri Langlois en Francia, pereció en un incendio cinco días después de la muerte de Stroheim en 1957. Langlois, sin avergonzarse por la pérdida, afirmó poéticamente que «est mort volontairement» (murió voluntariamente). […] A pesar de su fracaso financiero, The Wedding March se encuentra entre las mejores obras de Stroheim; es una película completa y satisfactoria como entidad individual, aunque sea sólo un fragmento. Henri Langlois, hablando en el Lincoln Center en septiembre de 1965 después de la primera proyección de la película en Nueva York en más de treinta años, comparó La marcha nupcial con un torso sin cabeza. Sin embargo, la película es tan extraordinaria que cuesta imaginar una segunda parte que la iguale».

Arthur Lennig: Stroheim (Lexington: The University Press of Kentucky, 2000).

▲ Por esta extraordinaria interpretación del Gran Duque Sergio Alejandro, y por su papel principal en «The Way of All Flesh» de Victor Fleming, Emil Jennings ganó el Óscar al mejor actor en la primera edición de estos premios en 1929. Durante ocho décadas fue el único ganador de un Óscar por una película muda. Inesperadamente, otro actor se sumaría a esta breve lista en 2011 (!). En 1930 Jennings regresó a Alemania, donde protagonizó «El Ángel Azul» junto a Marlene Dietrich y bajo la dirección -nuevamente- de Joseph von Sternberg.

1929

▲ Segundo colaboración de la actriz Louise Brooks con el director G. W. Pabst. Esta película fue estrenada en Viena el 12 de setiembre de 1929. Por su parte, «La caja de Pandora» se estrenó el 30 de enero de dicho año.

▲ Obra representativa del movimiento soviético «Kinok» (kino-oki = cine-ojo).

Tal como declara Vértok al comienzo de la película, esta «representa un experimento en la comunicación cinemática del fenómeno visual, sin el uso de intertítulos, sin la ayuda de un guion o del teatro (sin actores, sin escenarios, etc.)».

En 1934, escribiría que su obra busca «mostrar a las personas sin máscara, sin maquillaje; para atraparlas con los ojos de la cámara en el momento en que no fingen; para leer sus pensamientos expuestos por el cristal del cine».

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▲ “Big Business” es considerada hoy como la más grande de todas las comedias mudas de Laurel y Hardy. Eso puede estar abierto a debate, pero no se puede negar que es una comedia bellamente construida. Basado en una premisa muy ligera, la broma básica de la película se sostiene y se construye, aumentando gradualmente hasta convertirse en un frenesí.

Randy Skretvedt: «Big Business» (National Film Registry)

1930

▲ «Tierra» es considerada la obra maestra de Dovzhenko, el equivalente fílmico de un poema lírico […]. Es un homenaje al vínculo del hombre con la tierra, y sus primeros planos nos sitúan firmemente en el territorio de la épica lírica. La película comienza con un adecuado «gran estilo», con tomas de campos ondulados, el cielo y luego una mujer, símbolo del vínculo arquetípico de la gente y la tierra, con primeros planos de girasoles, frutas y rostros humanos, todos yuxtapuestos.

David Gillespie: «Early Soviet Cinema» (London: Wallflower, 2000) página 86

1931

HOMENAJES AL CINE SILENTE

▲ Es la película francesa más premiada de la historia. Fue nominada a diez premios Oscar, ganando cinco, incluidos mejor película, mejor director y mejor actor. Es la primera película muda en ganar el Oscar desde 1929 (Wings), la primera en 4:3 desde 1953 (From Here to Eternity), y la primera totalmente en blanco y negro desde 1960 (The Apartment).